Il 12 dicembre 2003 presso il MLAC, Museo Laboratorio di Arte Contemporanea, Università degli Studi “La Sapienza” di Roma, verrà inaugurata la video-installazione Tri(o)ptique: Akerman/Ono/Moral a cura di Vania Granata e Tania Vetromile.

Il terzo appuntamento dedicato al video torna, confermando il tracciato di Trilogie Franaise e 2 x Deutsch, a proporre accostamenti linguistici e visioni parallele.
In esposizione i primi lavori della regista belga Chantal Akerman, due famose pellicole di Yoko Ono ed alcuni recenti video dell’artista Sukran Moral: scelte stilistiche differenziate sottese ad un approccio reale ed immaginario tendenzialmente attento e critico.

Il lavoro di Chantal Akerman (Bruxelles 1950) ondeggia sullo scivoloso crinale tra fiction e quotidianità, a tratti avverando una dissoluzione totale del tessuto filmico-narrativo. Un percorso che prende avvio nel 1968 quando, giovanissima, tramite il corto Saute, ma ville si impone all’attenzione della critica. Verranno poi i contatti con il “New American Cinema” e soprattutto la convergenza con le scelte formali e indipendenti di Jonas Mekas e Michel Snow. Risale al 1972 il primo lungometraggio: Hotel Monterey, dove il sapiente uso della tecnica filmica (destrutturazione dell’intreccio narrativo, largo uso del piano sequenza in real-time oltre all’insistente sosta sul dettaglio) tratteggia una rappresentazione volutamente declinata sul pronome impersonale.

È il linguaggio densamente sperimentale, mutuato dal movimento Fluxus cui Yoko Ono aveva aderito dagli esordi dei sessanta, a caratterizzare le pellicole Film n.4/Bottoms (1966) e Fly (1970). I video concentrano l’attenzione sul corpo quale soggetto privilegiato da indagare: Fly documenta il tragitto di un insetto sul nudo di una donna e Bottoms si compone della reiterata ripresa di un unico oggetto anatomico. Proprio in quest’ultimo, gli epici, seriali fondoschiena di differenti “attori” giocano sull’ironica connotazione fisica come elemento ambiguo e destabilizzante: superamento dell’identità individuale (anche sensuale e sessuale) e perdita di centro, banalità ed irriconoscibilità dell’ immagine.

Sukran Moral, artista rivolta verso tematiche “in opposizione” volte a centrare i nessi ambigui di luoghi comuni e condizioni marginali, ha indirizzato la sua ricerca verso temi sociali – posizione femminile, emarginazione, prostituzione, malattia mentale -.  I video in esposizione propongono immagini violentemente accostate laddove la metafora tra struttura museale ed obitorio – “il museo  luogo morto” secondo Sukran Moral – focalizza un punto di vista fortemente critico sulle contraddittorietà dell’arte.

 

Chantal Akerman: Saute, ma ville, 1968, b/n, 120; Hotel Monterey, 1970, c., 650
Yoko Ono: Film n. 4/Bottoms, 1966, b/n, 800; Fly, c., 1970, 250
Sukran Moral: Diffidate della storia dell’arte, 1996, c., 140; Camera/Speculum, 1997, c., 150;
Obitorio & Museo, 1997, c., 300

La mostra  realizzata nella programmazione del Museo Laboratorio nell’ambito dei corsi sperimentali di Stage/Master in Cura Critica ed Installazione Museale, voluti dal Direttore del Museo Simonetta Lux e realizzati del Curatore del MLAC Domenico Scudero.

 

La mostra resterà aperta dal 12 al 30 dicembre 2003.

Il 10 dicembre 2003, nei locali del MLAC, Museo Laboratorio di Arte Contemporanea, Università “La Sapienza”, Roma, verrà ospitata ArteInVideo a cura di Carlo Terrosi e Mario Gorni. 
ArteInVideo è una manifestazione annuale che mira alla promozione del linguaggio video analizzandone il percorso evolutivo dalle origini sino agli esiti più attuali. La quinta edizione di questo evento, che nei suoi precedenti appuntamenti ha coinvolto studiosi del settore e sedi differenti – Accademia di Belle Arti, DAMS di Bologna – si apre ora alla collaborazione con il MLAC, Museo Laboratorio di Arte Contemporanea. ArteInVideo si inserisce nel progetto di promozione dell’arte contemporanea BO.ART che, originatosi nella città di Bologna, si apre alla comunicazione con altri territori culturali. 

La giornata ArteInVideo inaugura la collaborazione con il Museo Laboratorio di Arte Contemporanea di Roma proponendosi come occasione di confronto e scambio nella concezione di progetti comuni. 

Programma

h. 11.00 – 13.00: 

maestri della videoarte 
Nam June Paik, All Star Video, 1984 
Fabrizio Plessi, Waterfan, 1982 
Gianni Toti, MonteVeritazione, 1991 
Robert Cahen, Voyage d’Hiver,1993 

Speciale sugli esordi di Bill Viola
Migration, 1976 
The Reflecting Pool, 1977/79 
Ancient of Days, 1978/81 
Chott el-Djerid. A Portrait in Lightand Heat, 1979 

h. 15.00 – 17.30: 

video di giovani artisti dal centro Care/of di Milano

Mala. Arti Visive, Self Portraits, 2002 Italia 
Sara Rossi, Era, 2002 Italia 
CacciaGrilli, AZ345, 2003 Italia 
Susanna Scarpa, The looney Plunger 1300 meters, 2002 Italia
Sarah Ciracì, Rapture #3, 2001 Italia
Barbara Brugola, Glowing blue 2, 2002 Italia 
Elena Arzuffi, Elena Arzuffi tell me a tale, 2003 Italia
Federica Pecorelli, Comunicazione 1, 2003 Italia 
Stefano Pasquini, Quantità-Fiducia, 2003 Italia 
Oliver Pietsch, Heaven can wait, 2002 Germania 
Y Lyver, Je t’aime, moi non plus, 2002 Italia
Jan van Nuenen, Optimizer customizer, 2002 Olanda 
Thorsten Kirchhoff, Una serata con il Dott. Hoffmann, 2001 Italia 
Paolo Chiasera, La telefonata, 2003 Italia
Annamaria Martena, Surplus, 2001 Italia 
Pasquale Martini, Inguinizzati le braccia, Italia
Juergen Chill, House 1, 3, 2002 Olanda 
Brian McKenna, Clapping, 2002 Canada 
Brian McKenna, Stereophonic LP, 2002 Canada 
Oliver Pietsch, Morgenstern, 2002 Germania 
Belgradostraat, Pierre Rivière: appunti minimi di viaggio, 2003 
Mariuccia Pisani, Croce e delizia, 2002 Italia
Alberto Guidato, Fratelli d’Italia, 2002 Italia

Il 4 dicembre 2003 alle ore 18.00 presso il MLAC, Museo laboratorio di Arte Contemporanea dell’Università degli Studi “La Sapienza”, inaugurerà la mostra di Katia Bassanini Casual Friday a cura di Mario Casanova e Domenico Scudero.

Katia Bassanini si insinua nel percorso indicato da Piero Manzoni, Chris Burden e Marina Abramovic nel tentativo di rinnovare il linguaggio delle performances rituali o spettacolari; la sua  una sperimentazione volta ad indagare la presentazione diversificata del “resto” quale deposito significante che la performance lascia indirettamente dietro sé.
I piccoli disastri che la nostra epoca esibisce in piena luce e commenta largamente forniscono materia prima al suo percorso; un “naufragio” che metaforicamente commenta l’esistenza umana nei suoi pericoli e limiti e che acquisisce senso alla presenza dello spettatore – distratta, contemplativa, distante o implicata che sia – di fronte allo spettacolo di un fallimento. I lavori inscenano ruoli degradati, posture ridicole, “venerd“ lavorativi dall’abbigliamento casuale”, senza riscatto, compassione o ironia. L’angolo scelto  l’angolo morto, l’angolo preferito dal personaggio (teatrale o meno) della commedia brechtiana. Come ricorda l’artista stessa: “la teatralitˆ  un’arte dalle semplici gesta, della battuta tipica; la performance potrebbe esser un’esperienza comica – non vi  commedia che del potere – della semplificazione”.

In mostra verranno esposte le video-installazioni Wrecks (11′ 40”) e Jack Pot (2′ 54”) e la collezione di giacche Casual Friday.

In occasione della mostra sarˆ presentato un libro monografico dedicato al lavoro dell’artista. La mostra ed il libro sono realizzati con il contributo di: Stanley Thomas Johnson Stiftung, Bern; PRO HELVETIA Fondazione Svizzera per la Cultura; Fondation NestlŽ pour l’Art, Lausanne; Repubblica e Cantone del Ticino

La mostra  realizzata nella programmazione del Museo Laboratorio con il contributo della Regione Lazio per le ricerche “Applicazione nuove tecnologie multimediali all’arte contemporanea”, nell’ambito del Dottorato di Ricerca “Arte di Confine”, e dei relativi corsi sperimentali di Stage/Master in Cura Critica ed Installazione Museale, voluti dal direttore del Museo Simonetta Lux e realizzati del curatore del MLAC Domenico Scudero.

La mostra resterà aperta dal 4 al 30 dicembre 2003.

 

English text

On December 4, 2003 at 6 o’clock p.m., the Laboratory Museum of Contemporary Art (MLAC) at “La Sapienza” University, is glad to inaugurate Katia Bassanini’s “Casual Friday” exhibition, curated by Mario Casanova and Domenico Scudero.

Katia Bassanini follows the work created by Piero Manzoni, Chris Burden and Marina Abramovic. The artist tries to renew the language of the ritual or spectacular performances; her experimentation enquires about the presentation of the different “rest” as the last significant meaning that the performance leaves behind itself.

The true subject of the artist’s work are the little disasters freely commented on and showed by our times. A “shipwreck,” which metaphorically represents the dangers and the limits of human existence and that finds its sense in the relationship existing between the spectator and the show of a failure. The spectator’s reaction can be contemplative, absent or involved, but in any case it is a reaction towards a show of a failure.

The works put on stage show degrading roles, ridiculous posture, “working fridays in casual clothes”, without any sense of redemption, compassion or irony. The angle chosen by the artist is a dead one, the favourite angle of the Brechtian comedy’s character. The same artist reminds us: “The theatre is the art of simple action, the typical cue, the performance could be a comical experience there is no comedy but that of the power, of simplification”.

The video-installations Wrecks (11’40”) and Jack Pot (2’54″) and Casual Firiday’s jacket collection will be showen during the exhibition.

During the exhibition a monografic book will be presented dedicated to the artist’s work. The exhibition and the book were made possible by Stanley Thomas Johanson Stiftung, Bern; PRO HELVETIA, foundation for Swiss Culture; Foundation Nestl pour l’Art, Lausanne; The Ticino’s Republic and Canton.

The exhibition is realized in the MLAC program, with contribution from the Region of Lazio for the research of “New multimedia technology of Contemporary Art” in the field of Doctorial reasearch “Arte di Confine”, and of relative experimental corses of Stage/Master in Critc Cure and Museum Instalation. Given by the director of the Museum Simonetta Lux and realized by the MLAC’s curator, Domenico Scudero.

 

                                       

Il 6 novembre 2003 alle ore 18.00 presso il MLAC, Museo Laboratorio di Arte Contemporanea dell’Università degli Studi di Roma “La Sapienza”, inaugurerà la mostra di Josef Dabernig (featuring G.R.A.M. & Markus Scherer) a cura di Domenico Scudero. L’inaugurazione sarà preceduta alle ore 17.00 dall’incontro con l’artista.

Josef Dabernig è uno fra i più noti artisti austriaci; il suo lavoro spazia dalla produzione filmica alle costruzioni plastiche, dalla fotografia alle installazioni ambientali. La matrice del suo lavoro è focalizzata sul modello costruttivo analitico, in cui è sempre forte una connotazione concettuale, minimalista. Le sue installazioni presso stabili e musei ci ricordano le possibili interazioni fra la nostra contemporaneità e la storia più recente.
L’opera di Josef Dabernig indaga gli aspetti peculiari della modernità; una sorta di archeologia personale in cui l’attenta valutazione sui concetti di “utopia/razionalità/logicità” approda ad una analisi delle fratture e dei conflitti in tali strutture.
Il carattere ideale con cui la modernità viene comunemente contraddistinta è messo in discussione da Dabernig attaverso il disvelamento di incongruenze ed opposizioni distanti da ogni luogo comune. Il suo atteggiamento nei confronti dell’ammirazione della modernità, delle sue forme razionali e delle sue strutture, è dotato di un piglio ironico e distaccato, d’analisi fredda.
L’utilizzo del supporto filmico è adottato da Dabernig in bilico fra suggestioni del cinema e documentazione della sua esperienza. Da una semplice azione si avvia l’intreccio che vede la partecipazioni di attori dai ruoli non istituiti. Sebbene manchino dialoghi o monologhi i video mantengono un carattere narrativo e risultano sempre improntati ad una determinata estetica che ha un forte significato etico. La relazione fra le forme di rappresentazione e la loro realtà quotidiana è uno dei motivi centrali del percorso di Dabernig.
Quattro i cortometraggi in bianco e nero presenti, b/w, 8 min; Timau (Josef Dabernig / Markus Scherer) 1998 – 16mm to Video, b/w, 20 min; WARS (Josef Dabernig) 2001 – 16mm to Video, b/w, 10 min; Automatic (Josef Dabernig / G.R.A.M.) 2002 – 16mm to Video, b/w, 7 min (music: Binder&Krieglstein).
La mostra è realizzata nella programmazione “PRAXIS” del Museo Laboratorio realizzata con il contributo della Regione Lazio per “Applicazione nuove tecnologie multimediali arte contemporanea”, e con la collaborazione del Forum Austriaco di Cultura.
Masteriali video prodotti da: sixpackfilm

La mostra resterà aperta dal 6 al 27 novembre 2003.
Orario: dal lunedì al venerdì ore 10 – 20.

 

 

                                        

                                        

In occasione del convegno internazionale dal titolo “La città meravigliosa di Ludovico Quaroni” che avrà luogo presso l’Aula Magna, sotto l’Alto Patronato della Presidenza della Repubblica e promosso dai dipartimenti di Architettura dell’Ateneo romano, la Prima Facoltà di Architettura, celebra il maestro cui ha voluto intitolare la scuola e vuole dare ragione all’esterno del significato culturale e simbolico della scelta fatta e, alla docenza tutta, l’occasione per riflettere criticamente sui significati più profondi della tradizione accademica della Facoltà e sul suo futuro. Coordinatore scientifico del convegno è Antonino Terranova, allievo di Ludovico Quaroni.

Durante i tre giorni del convegno sarà allestita all’interno del Museo/Laboratorio d’Arte Contemporanea sottostante l’Aula Magna, diretto da Simonetta Lux, un percorso espositivo che intende suggerire letture e interpretazioni diverse sull’opera e sul pensiero di Ludovico Quaroni, attraverso testimonianze che riguardano sia collaborazioni e relazioni dirette avute con il maestro, nella condivisione di medesime esperienze (progettazioni, ricerche, didattica, ricordi, memorie, etc.), sia riflessioni critiche autonomamente sviluppate nell’ambito della propria formazione di studioso e/o di architetto.

La mostra sarà costituita da:
· un lungo pannello centrale che accompagnerà i visitatori – sorta di biografia di Quaroni letta attraverso i suoi progetti
· da pannelli prodotti dai singoli dipartimenti di architettura
· da riprese video appositamente effettuate per la mostra, riguardanti progetti realizzati di Ludovico Quaroni
· da materiale proveniente dalle teche della RAI
· da un video di interviste a personaggi significativi dell’architettura contemporanea che a partire dalla “Torre di Babele” parleranno di Ludovico Quaroni.
L’allestimento produrrà una serie di materiali che potranno, nel loro insieme, restituire il senso di una partecipazione anche virtuale al progetto de “La città meravigliosa”.

 

 

                                        

Il 28 ottobre 2003 presso il MLAC, Museo Laboratorio di Arte Contemporanea, avrà luogo la performance musicale Diffrazioni del gruppo Plerema.

Diffrazioni rappresenta il tentativo di far interagire linguaggi espressivi eterodossi eppur prossimi; la chance di oltrepassare il limite imposto ad ogni specifico ambito di applicazione artistica mediante la fusione in un’unica esperienza percettiva.

Il lavoro, composto da M. Pandolfino e D. Benvegnù tra il 2002 ed il 2003, per organico strumentale vario e voce “loquente”, è stato costruito e modificato appositamente per la performance.
Il percorso proporrà un intervento performativo articolato in quattro ambienti sonori, separati da tre intervalli, atti a contenere la voce.

Un iter emozionale che attraversa suono e linguaggio alla ricerca di una possibile apertura sperimentale.

Testo: Damiano Benvegnù
Musiche: Mauro Pandolfino

Voce: Damiano Benvegnù
Chitarre e programmazioni sintetiche: Mauro Pandolfino
Percussioni: Antonio Nigro
Luci: Emiliano De Angelis
La mostra è realizzata nella programmazione del Museo Laboratorio nell’ambito dei corsi sperimentali di Stage/Master in Cura Critica ed Installazione Museale, voluti dal direttore del Museo Simonetta Lux e realizzati del curatore del MLAC Domenico Scudero.
Inaugurazione: 28 ottobre 2003 ore 18:00

Il 7 ottobre 2003 inaugura presso il MLAC – Museo Laboratorio di Arte Contemporanea dell’Università “La Sapienza” di Roma la mostra 2x Deutsch, a cura di Vania Granata e Tania Vetromile.

La mostra, secondo appuntamento del percorso inaugurato da Trilogie Française, prevede la proiezione simultanea dei lavori più rappresentativi di Alexander Kluge e Matthias Muller, proponendo un iter dialogico tra le differenti declinazioni del linguaggio video di due artisti tedeschi.

Alexander Kluge (1932, Halberstadt), scrittore, teorico, regista in bilico fra cinema e televisione, è uno dei maggiori intellettuali della contraddittoria Germania del dopoguerra.
Impegnato, nel 1962, alla fondazione del “Manifesto di Oberhausen” e collegato con la fondazione nel movimento Junger Deutscher Film (“Nuovo Cinema Tedesco”), il suo nome si pone in dichiarata rottura nei confronti della vecchia guardia del cinema tedesco.
In visione, una serie di cortometraggi sapientemente costruiti attraverso l’estraniante tecnica del collage per costringere lo spettatore ad un atteggiamento costantemente critico nei confronti di televisione, guerra e capitalismo.
Alexander Kluge: Bilder ohne worte, 1989, 24’; Antiquitaten der Reklame, 1989, 14’; Im sturm der Zeit, 1995, 14′.

Nato nel 1961 a Bielefeld, Matthias Muller è regista, fotografo, video artista e curatore indipendente. Considerato uno dei maggiori talenti del cinema tedesco, ha partecipato a numerose rassegne internazionali (Cannes, Venezia, Berlino, etc.). L’autore, nel 1985, aderisce alla fondazione del gruppo Alte Kinder (“Vecchi Bambini”), una cooperativa cinematografica indipendente sorta per indagare le possibilità insite nell’uso del super-8.
L’attività video di Muller ha quindi inizio negli anni Ottanta; sono le tematiche sociali e autoreferenziali – omosessualità, erotismo, AIDS, infanzia – ad animare i suoi cortometraggi.
Fra i video proposti, alcuni dei suoi migliori lavori dove solitudine, colpa e morte sono i risvolti drammatici conseguenti ad ogni “differenza”.
Matthias Muller: Aus Der Ferne – The Memo Book, 1989, 27’; The Flamethrowers, 1990, 9’; Home Stories, 1990, 6′; Sleepy Haven, 1993, 15’; Sternenschauer – Scattering Stars, 1994, 2’; Alpsee, 1994, 14’.

La mostra è realizzata nella programmazione del Museo Laboratorio nell’ambito dei corsi sperimentali di Stage/Master in Cura Critica ed Installazione Museale, voluti dal direttore del Museo Simonetta Lux e realizzati del curatore del MLAC Domenico Scudero.

La mostra resterà aperta dal 7 al 24 ottobre 2003.

dal lunedì al venerdì ore 10 – 20.

 

La Televisione secondo Alexander Kluge
La Germania post-bellica, divisa tra due blocchi e due corrispettive e dissonanti culture fu il luogo di connivenze incompatibili ripartite tra l’abiura e la rimozione del ricordo nazista e l’inarrestabile decollo economico della parte occidentale. Proprio in questa contraddizione, Alexander Kluge (1932, Alberstad) – filmaker, scrittore, teorico, realizzatore di cortometraggi ed autore televisivo – formò la sua coscienza critica.
L’esordio come assistente di Fritz Lang precedette una carriera a dir poco sconvolgente che lo vide schierato, nel 1962, tra i ventisei firmatari del “Manifesto di Oberhausen” tramite cui il Neuer Deutscher Film (“Nuovo Cinema Tedesco”), con l’impegno di far tabula rasa delle esperienze cinematografiche precedenti, strizzava l’occhio all’avanguardia ed alla sperimentazione linguistica inaugurata dal letterario Gruppe 47 rivendicando il valore politico del cinema e il suo contatto con la realtà sociale.
Prescindendo dal linguaggio cinematografico, nella tornata degli anni Ottanta, fu però il medium televisivo a destare l’interesse maggiore di Kluge che, impossessatosi dell’estetica televisiva – oggetto a statuto “democratico” per definizione, che non cela d’altro canto l’alto potere condizionante proteso ad innescare una fruizione passiva nello spettatore – si avviava a realizzare la sua “televisione indipendente”.
I cortometraggi, esemplificativa è la serie “10 vor 11/10 to 11” che attraversa tutti e tre i corti in visione, risultano infatti paradossalmente costruiti sulla falsariga di vere e proprie trasmissioni che, estrapolando e miscelando linguaggi eterodossi in un articolatissimo collage, rispondono alla funzione di ribaltare dall’interno le regole che presiedono l’attualissima “Società dello Spettacolo”.
Le immagini sono infatti formalmente introdotte da impeccabili presentatrici, ma si susseguono rapide, ritagliate ed interrotte a singulti da interviste real T-V; sono immagini plagiate – un tipico esempio di found footage citazionista – visibili spesso e volentieri attraverso le quinte animate di siparietti teatrali.
Questa sorta di carosello continuo che colma l’horror vacui del rettangolo televisivo alternando scenari operistici ad immagini-repertorio della Germania Nazista, documentari a films hollywoodiani, pubblicità ad aggiornamenti giornalistici, è scandito da un ritmo irrefrenabile, sottolineato costantemente dall’icona di un orologio le cui lancette corrono all’impazzata. Una straordinaria miscela di fiction e verità, musica, suoni, silenzi e dialoghi fuori-sincrono.
Alexander Kluge assembla materiali eterodossi che la “generosità” del video-contenitore accoglie senza filtri o mediazioni; il suo è un accento beffardo posato sulla capacità indomita ed ipocrita che la commercializzazione capitalista ha di inglobare – per l’appunto come una televisione – qualsiasi libertà ed espressione artistica, qualsiasi tentativo di fuga. Una posizione intellettuale ed etica che prende coscienza del suo spazio esiguo nella società.
È difficile rimanere annoiati davanti a queste immagini; esse risvegliano la coscienza critica dei più addormentati.

Vania Granata

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Matthias Muller

Matthias Muller nasce in Germania nel 1961 a Bielefeld, città in cui vive e lavora come artista e cineasta. La sua attività di film-maker si apre agli inizi degli anni ’80, in un periodo in cui il cinema tedesco entra in una fase critica causata dalla scomparsa di Fassbinder e dal trasferimento all’estero di due registi di fama internazionale come Wenders e Herzog.
L’importanza che Muller detiene nel campo della sperimentazione video è sancita dalla partecipazione a numerosi festival, dalla conquista di oltre quaranta premi e dall’attività di promozione del cinema d’avanguardia da egli svolta nel tempo.
Matthias Muller è uno degli interpreti più abili nell’uso della tecnica del found footage, ossia la particolare forma di citazionismo cinematografico affermatasi negli anni ’80 e denotativa del recente cinema sperimentale. Con l’espressione found footage si intende il reimpiego di sequenze altrui, provenienti da filmografie o da qualsiasi altro repertorio di riprese. Nelle mani di Muller la scelta di spezzoni altrui svolge compiti diversi nell’organismo dell’opera. In Aus der Ferme – The Memo Book la scena con due uomini che ballano, tratta da un musical di Hollywood, dà risalto ad un desiderio di felicità all’interno di una vicenda drammatica (la paura e il dolore per la morte di un amico causata dall’AIDS). In Sleepy Haven, video dal forte contenuto erotico, l’omosessualità del protagonista diventa anche l’occasione per citare due film nei quali fra le prime volte è affrontata tale tematica (Fireworks di Anger, 1947, Un chant d’amour di Jean Genet, 1950). Infine Home Stories, quasi un manifesto della tecnica del found footage, è un video interamente costruito dall’unione di spezzoni tratti dal cinema hollywoodiano che in modo reiterato costruiscono una suspense che non trova soluzione. Un film che “vuole sottolineare l’intrappolamento del genere femminile nell’era classica hollywoodiana e allo stesso tempo esibire la pura gioia della mutilazione dell’immagine” (Michael Arago, “San Francisco Weekly”, 1994).
Muller è stato fra i fondatori del gruppo Alte Kinder, una cooperativa cinematografica indipendente sorta nel 1985 con lo scopo di indagare le possibilità offerte dal super-8. Fra i video in mostra molti sono realizzati proprio con l’impiego di tale strumento. Le rudimentali caratteristiche del super-8 sono sapientemente esaltate dall’artista attuando vari interventi di falsa sovraesposizione e danneggiamento della pellicola in modo da conferire una sensazione di invecchiamento. Ricorrente nei video è il trattamento monocromo delle immagini con una predilezione per le gradazioni tonali dell’ocra e del blu. L’illuminazione contrastata trasmette una forte accentuazione drammatica. La cinepresa di Muller ricerca di frequente il particolare, andando spesso dall’inquadratura dell’occhio umano al piano ravvicinato e straniante degli oggetti. Pur conservando una connotazione narrativa, le opere eludono totalmente la consequenzialità nella rappresentazione degli accadimenti. Prediligendo un racconto che si fonda su momenti topici, panici, simbolici, onirici, metaforici, il montaggio avanza per ripetizioni, sovrapposizioni, stratificazioni, accumulazioni di immagini. Scrive Peter Tscherkassky, acuto e analitico commentatore del cinema di Muller: “le opere di questo autore raffigurano sì storie in qualche modo riconoscibili come tali, ma che al loro interno predomina un principio poetico”.
Una piccola menzione a parte è necessaria per Alpsee. Il cortometraggio si discosta dagli altri per l’atmosfera asettica che ricrea e per le tecniche di lavorazione (un piccolo film tradizionale a tutti gli effetti con sceneggiatura, attori, costumista e scenografo). L’ambientazione domestica in perfetto stile anni ’60 ospita una vicenda che riflette sul tema della crescita e dell’adolescenza, con forti compromissioni autobiografiche. I protagonisti sono una madre dai modi ansiosi, algidi e un bambino che compie le sue difficili prime esperienze di crescita. Le immagini di found footage ad inizio e fine del video sono tratte da filmati amatoriali, alcuni dei quali girati dal padre dell’artista.
In Alpsee come in tutti gli altri video Muller indaga aspetti drammatici dell’esistenza (morte, malattia, solitudine) colti attraverso una commistione di immagini, colori e suoni, che si sofferma sugli aspetti embletici esaltandone la poeticità intrinseca.
“Volevo che l’intuizione, la spontaneità e l’apertura fossero la base delle mie procedure” Matthias Muller (Notes on the Phoenix Tapes, 1999).

Tania Vetromile

 

Il 23 settembre 2003 presso il MLAC, Museo Laboratorio di Arte Contemporanea, La Sapienza, Roma, si inaugura la mostra La libertà in cattedra di Roberto Perciballi, a cura di Simonetta Lux e Domenico Scudero.

Roberto Perciballi, artista poliedrico, musicista per il gruppo punk Bloody Riot (ora B-Riot), performer, autore di video, scrittore, propone per la personale presso il MLAC una complessa installazione incentrata sulle tematiche del lavoro. L’installazione realizzata per l’occasione consiste essenzialmente nell’analizzare l’idiosincrasia sociale fra le differenziazioni del lavoro, da quello intellettualmente partecipe alla cultura sino al lavoro manuale; attitudine questa sottolinata da un approccio esistenzialista dell’autore il quale mette in scena la sua stessa esperienza.
Nella sala superiore del MLAC sarà realizzata una installazione appositamente concepita per il Museo, consistente in un ciclo di opere fotografiche in bianco e nero sottolineate dall’ambiente candido della sala espositiva; nella sala inferiore sarà invece visibile una video installazione.
La pulizia e la sporcizia sono i confini in cui si muove la sua odierna indagine; termini che Perciballi connette, differentemente dalle precedente speculazione sulla definizione del concetto di “libertà”, ad un tentativo continuo di pulizia che evidentemente non riesce, e anche a tutto ciò che “istituzionalmente” ruota intorno agli ingranaggi del mercato e del sistema dell’arte.
“Il sistema dell’arte, apparentemente senza accorgersene, lavora, sfronda, pulisce il lavoro degli artisti che incontra e anche di quelli che non incontrerà mai. Determinando, ricercando, questa pulizia va a modificarne i contenuti, trasformando il lavoro degli artisti stessi e quindi per assurdo lo ‘sporca’ ” (Roberto Perciballi).
“La libertà in cattedra” titolava un supplemento de L’Espresso del 27 settembre 1970; una foto in copertina ritraeva Roberto Perciballi bambino, in atto di tirare in aria dei libri scolastici che inevitabilmente dopo lo scatto fotografico gli ricadono addosso. L’episodio rappresenta per l’artista quell’originale primo “impatto” con la cultura: “Quel botto, quel rumore di libri dolorosi sul mio viso è stato il mio, personalissimo, incontro con la cultura, e se così è stato, quello che mi meraviglia ancora oggi, è che i dolori non sono mai finiti, ma si sono inesorabilmente moltiplicati.”

La mostra è realizzata nella programmazione del Museo Laboratorio con il contributo della Regione Lazio per le ricerche “Applicazione nuove tecnologie multimediali all’arte contemporanea”, nell’ambito del Dottorato di Ricerca “Arte di Confine”, e dei relativi corsi sperimentali di Stage/Master in Cura Critica ed Installazione Museale, voluti dal direttore del Museo Simonetta Lux e realizzati del curatore del MLAC Domenico Scudero.

La mostra resterà aperta dal 23 settembre al 3 ottobre 2003.
Orario: dal lunedì al venerdì ore 10 – 20.

 

                                       

Il giorno 10 luglio 2003, il Museo Laboratorio inaugura la mostra Back-up, a cura di Chiara Caporilli, in cui sono visibili recenti acquisizioni/donazioni e altre opere provenienti dalla collezione del MLAC. Alcune sono testimonianze di performances, altre sono progetti di artisti pensati per gli spazi del Museo, altre ancora sono documentazioni di lavori e di laboratori eseguiti durante le ultime programmazioni delle attività del Museo Laboratorio che accoglie nei suoi spazi i corsi per Curatore di eventi artistici delle lauree triennali e specialistiche ed i corsi di Stage/Master per laureati.

Fra i lavori presenti in mostra un inedito sviluppo fotografico di Serafino Amato, una serie di multipli realizzati da Regina Hübner, due inediti lavori di Luca Patella ritrovati fra le opere del MLAC.

Gli artisti presenti sono: Serafino Amato, Sara Campesan, Roberto De Simone, Theo Eshetu, Regina Hübner, Eliseo Mattiacci, Luca Maria Patella, Marita Liulia Tarot.

La mostra è realizzata nella programmazione del Museo Laboratorio con il contributo della Regione Lazio per le ricerche “Applicazione nuove tecnologie multimediali all’arte contemporanea”, nell’ambito del Dottorato di Ricerca “Arte di Confine”, e dei relativi corsi sperimentali di Stage/Master in Cura Critica ed Installazione Museale, voluti dal direttore del Museo Simonetta Lux e realizzati del curatore del MLAC Domenico Scudero.

La mostra rimarrà aperta dal 10 al 18 luglio e dal 2 al 19 settembre 2003.

Dal lunedì al venerdì dalle ore 10 alle ore 20

Installazione musicale a cura dell’Archivio della musica contemporanea del MLAC.

Il 10 luglio 2003 presso i locali del MLAC, Museo Laboratorio di Arte Contemporanea, inaugurerà la video-installazione Trilogie française, a cura di Vania Granata e Tania Vetromile.

Christian Boltanski, Patrick Bokanowski, Robert Cahen nascono in Francia rispettivamente nel 1944, nel 1943 e nel 1945.
Trilogie française, proiezione simultanea dei lavori più rappresentativi dei tre artisti, è un percorso video-installativo che propone il confronto incrociato tra le differenti declinazioni del linguaggio video in autori francesi della medesima generazione.

La telecamera apparentemente neutrale di Boltanski, un registratore fisso ad archiviare e documentare vite ordinarie al limite dell’impersonalità, affida al margine del non-detto soggettivo lo svelarsi dell’anonimato collettivo in una sapiente miscela di realtà e finzione.

Christian Boltanski: Essai de reconstitution des 46 jours qui précéderent la mort de Françoise Guinot, 1971, 18′; L’homme qui tousse, 1969, 2′ 30”;Tout ce dont je me souviens, 1969, 19”.

Perseguono un intento pittorico le atmosfere macabre ed ossessive di Bokanowski, che, seppur traendo origine dal dato reale, si trasfigurano chimicamente ed otticamente risultando indifferenti ad ogni intento narrativo

Patrick Bokanowski: ‘La plage, 1991, 12′; La femme qui se poudre, 1972, 18′; Dejeneur du matin, 1974, 12′; Au bord du lac, 1993, 6′.

A Robert Cahen, pioniere nella sperimentazione video dei primi anni settanta, spetta il compito di incentrarsi sugli aspetti lirici della visione. Un percorso dialettico tra fotografia, cinema, musica ed elettronica, che si appropriava in maniera avanguardista di effetti tecnologici inusuali (viraggio, ralenti, solarizzazione e sovrimpressione delle immagini), pervenendo alla focalizzazione dell’intravisto, (“l’entre aperçue“): ciò che “aldilà dello specchio” si nasconde.

Robert Cahen: Cartes postales (estratti), 1984-86; Invitation au vojage, 1973, 9′ 15”; Juste le temps, 1993, 13′; Solo, 1989, 4′; Montenvers et mer de glace, 1987, 8′; La notte delle bugie, 1993, 10′ 30”.

La mostra è realizzata nella programmazione del Museo Laboratorio nell’ambito dei corsi sperimentali di Stage/Master in Cura Critica ed Installazione Museale, voluti dal direttore del Museo Simonetta Lux e realizzati del curatore del MLAC Domenico Scudero.
Inaugurazione 10 luglio ore 18:00

La mostra resterà aperta dal 10 al 18 luglio 2003

dal lunedì al venerdì ore 10 – 20.

 

 

Christian Boltanski

Sono tempo, memoria, dimensione umana, ad essere attraversati dall’occhio di Boltanski. Occhio che ammicca costantemente all’universo fotografico e alle sue regole più generiche – registrazione/riproduzione del reale – anche quando viene a celarsi dietro alle lenti della cinepresa.
Christian Boltanski distribuisce indifferentemente il suo percorso artistico tra i medium della pittura, della fotografia e del video. Ciò che emerge come costante trait d’union, seppure declinato attraverso linguaggi eterodossi, è un’intenzione essenzialmente “realizzante”, che tende ovvero alla realtà pur mantenendosi costantemente in bilico, ma non in contraddizione, con l’ambiguità delle sue sapienti ricostruzioni artificiali.

Il caso del Essais de reconstrution sur les dernieres jours qui précéderent la mort de Françoise Guinot, è in questo contesto assolutamente esemplare: a guidare la camera cinematografica non è nulla più che l’intento di registrare/documentare/ricostruire gli ultimi 46 giorni di esistenza di una donna – Françoise Guinot – estratta a caso dalle strade della vita: in scena una vita e una morte “feriali”.

Nessun commento, nessun intervento didascalico, guidano il filmato; la voce fuori-campo assolve l’unico compito di documentare e sottolineare la quotidianità, la “normalità”, dell’azione. Non esiste intento che devii dal descrittivo: chi guarda è posto davanti alla visione neutra di una vita comune. Vita che, seppur artificialmente ri-costruita, potrebbe essere di chiunque: la nostra, ad esempio.

La mancanza di commento, l’apparente assenza dell’autore permettono, e di fatto creano, la possibilità di identificazione tra spettatore e opera; spettatore e vita dei soggetti presi ad oggetto.

L’individualità dell’artista scompare infatti per far posto a quell’importante anonimato collettivo in cui Boltanski riconosce l’Uomo.

Nel video però, differentemente dalla fotografia, per dirla con Barthes, stigmatizzata nella mortifera “stasi dell’aoristo”, la dimensione temporale che scandisce l’inizio-fine dell’azione è fondamentale.

Il tempo – che siano 46 giorni di vita di una donna qualunque, o che si sveli nell’azione reiterata dei due minuti e mezzo de L’homme qui tousse – avvalora l’intento di documentare la realtà quale essa è – comune, quotidiana, per l’appunto reiterata – assumendo il proustiano sapore di memoria.

La memoria assolve l’Uomo dall’oblio, dal nulla; questa, la necessità di recupero che Boltanski focalizza anche nei velocissimi, quasi incomprensibili, diciannove secondi di Tout ce dont je me souviens.

Vania Granata

 

Robert Cahen

Il nome di Robert Cahen è compreso fra quel novero di artisti che per primi, in Europa, hanno sondato le infinite possibilità espressive dell’arte elettronica.

Nato a Valence nel 1945, la sua formazione è per intero votata alla musica. Studia presso il Groupe Recherches Musicales composizione elettronica sotto la guida di Pierre Schaeffer, diplomandosi nel 1971 in “musica applicata all’audiovisivo“.

La componente musicale è preponderante anche nella successiva sperimentazione video, che non solo si avvale di suoni “non-convenzionali” (come può esserlo il risultato dello strofinamento di un archetto di violino sopra un pezzo di cartone), ma si predispone per intero verso un tipo di ricezione polifonica, che sappia cogliere di un’immagine il lieve tremotio di fondo, e interpretare una inondazione di colore blu come l’effetto di un soffio di vento.

L’invitation au voyage, primo lavoro video del 1973, contiene in germe quasi tutte le componenti distintive di Cahen, a cominciare proprio dal particolare uso del colore, da cogliere nelle solarizzazioni dei paesaggi visti dal treno. Altra direzione di ricerca che compare per la prima volta in L’invitation è la messa in moto delle immagini, espediente specifico del linguaggio video ma indagato da Cahen come archetipa possibilità che ha un’immagine fissa di iniziarsi al movimento. In questo senso si spiega l’adozione del ralenti (relegato agli inizi degli anni ’70 unicamente al servizio dello sport) in Juste le Temps e soprattutto nelle varie Cartes Postales, pochi secondi che separano, in questa rassegna, gli altri video più lunghi e in cui una fotografia-ricordo da immobile, sulla falsariga dei vecchi Intervalli preserali della Rai, prende vita con incanto. Le Cartes Postales, di cui si propongono alcuni estratti, sono ricordi dei numerosi viaggi realizzati nel mondo, dal Mediterraneo alle grandi metropoli americane e asiatiche.
Robert Cahen è stato definito un paesaggista. Il suo è un mondo armonioso colto attraverso la perenne dimensione del viaggio. Le sue visioni non lasciano apertamente leggibili i propri contenuti, le immagini modificano il proprio stato naturale in virtù di filtri, schermi meccanici. L’utilizzo di questi espedienti è funzionale alla particolare concezione di Cahen dell’intravisto, l’entr’apercu: “nascondere” e “scoprire” sono le attività preferite, praticate e suggerite da questo autore che infatti sostiene “è più suggestivo guardare un paesaggio in uno specchio invece che direttamente”.

Tania Vetromile

Patrick Bokanowski

Fotografia, ottica e chimica sono alla base della formazione di Bokanoski (Francia, 1943). Gli studi, effettuati sotto la guida di Henri Dimier, specialista dei fenomeni ottici e prospettici, e di Jean Mutschell, che lo inizia al linguaggio del cinema di animazione, rappresentano quella particolare cultura che Patrick Bokanowski elaborerà tramite la vasta capienza del contenitore video.

Caratteristico nella produzione bokanowskiana è un approccio alla realtà mai diretto, ma “filtrato”; che non considera come fondamentale la necessità narrativa. I cortometraggi La Plage, e Au bord du lac, sono la più chiara testimonianza di questo “guardare senza narrare”.

La composizione, pur partendo dalla ripresa del dato reale – una spiaggia, la vegetazione ai bordi di un lago -, si distorce filtrata dall’intromissione, tra realtà e cinepresa, di un vetro smerigliato, pervenendo a suggestive visioni pittoriche.

I numerosi effetti ottici sono utilizzati al fine di creare una percezione alterata in cui la luce assume il ruolo di protagonista: è la luce, la scomposizione del suo spettro in lunghezze d’onda variabili, e le “impressioni” da essa depositate sui corpi che ostacolano la sua corsa, ad animare la ricerca di Bokanowski.

Le sperimentazioni sulla percezione della luce permangono in La femme qui se poudre e in Dejeneur du maitin, sebbene vengano indirizzate alla creazione di una dimensione completamente incubante, collocata in una atmosfera cupa e claustrofobica che sembra deviare dall’esito pittorico dei lavori precedentemente analizzati. La deformazione coinvolge ambienti, personaggi, accompagnamenti musicali creando un clima perturbato e perturbante che ricorda i caratteri del cinema muto espressionista tedesco.